Georges Adéagbo

Georges Adéagbo (né en 1942 à Cotonou, Bénin — alors Dahomey) est un artiste conceptuel de renommée internationale. Depuis le début des années 1970, il développe une pratique singulière de l’assemblage, combinant objets trouvés, textes manuscrits et œuvres réalisées par des artisans béninois. Ses installations, qu’il décrit comme un « Tribunal des choses », interrogent les récits canonisés issus de perspectives occidentales et déconstruisent les notions de centre et de périphérie. Elles remettent constamment en question les distinctions simplistes entre culture populaire et élite, supérieur et inférieur, banal et profond, sacré et profane^{[1] ,[2]} .

Les œuvres d’Adéagbo ont été présentées dans de grandes expositions internationales, notamment Documenta 11 à Cassel, la Biennale de Venise, la Biennale de Johannesburg et la Biennale de São Paulo, ainsi que dans des musées majeurs en Europe, en Asie et aux États‐Unis. Des commissaires et critiques tels que Harald Szeemann, Okwui Enwezor, Carolyn Christov-Bakargiev, Hans Ulrich Obrist, Kasper König, Emma Lavigne et Homi K. Bhabha ont souligné sa pratique comme une contribution unique à l’art postcolonial et décolonial^[3] , influençant les jeunes générations et les aidant à éviter de reproduire les stéréotypes de « l’art contemporain africain ».

Ses œuvres figurent dans des collections prestigieuses telles que le Centre Pompidou, la Collection Pinault, le Museum Ludwig, la Kunsthalle de Hambourg, le Moderna Museet à Stockholm, le Toyota Municipal Museum of Art et le Smithsonian National Museum of African Art. Adéagbo a reçu une mention honorable du jury de la 48^e Biennale de Venise en 1999^[4] .

Si la reconnaissance internationale d’Adéagbo se reflète dans sa participation à de grandes biennales et collections muséales, le fondement de son œuvre réside dans une pratique artistique autonome qu’il a développée, inaperçu, pendant vingt ans à Cotonou, sans jamais prétendre être un artiste.

Les installations d’Adéagbo déploient leur effet par l’assemblage réfléchi d’objets trouvés, de textes manuscrits et d’œuvres réalisées par des artisans béninois. Lors de ses promenades quotidiennes, il collecte des "detritus gathered from urban environments" (détritus ramassés dans les environnements urbains)^[5] — des choses qui « l’appellent »^[6] — qu’il dispose ensuite en constellations complexes où mémoire personnelle et mémoire collective se rencontrent. Dans ses textes, il explique comment l’observation des conséquences du comportement humain peut nous aider à prendre des décisions avisées^[7] . Il donne au français, langue de l’ancien colonisateur, son propre rythme en modifiant sa syntaxe^{[8] ,[9]} Ainsi, au‐delà de l’artiste visuel, il peut également être considéré comme poète. Adéagbo se souvient de l’une de ses premières constellations: «L’une des premières combinaisons que j’ai placée dans la cour familiale fut un paquet de cigarettes et une boîte d’allumettes à côté. Pourquoi ? Les cigarettes sont considérées comme plus précieuses que les allumettes, plus chères et plus importantes, mais comment allumer une cigarette sans allumettes ? Souvent, ce qui paraît bon marché, insignifiant, ce qui vit dans l’ombre, est essentiel our donner de la valeur à ce que tout le monde considère comme important et précieux, indispensable pour remplir sa foncition.»^[10] Masques, sculptures et peintures produites par des artisans locaux au Bénin, objets trouvés dans la rue, livres, disques et photos de famille achetés aux marchés aux puces renvoient à la fois aux origines d’Adéagbo et décrivent la mentalité de la société où il est invité à exposer^[11] .

Il décrit sa pratique comme un « Tribunal des choses »^[12] — un tribunal où objets et textes présentent des perspectives divergentes. Des épisodes de sa propre biographie, y compris son enfance dans le Dahomey colonial et ses études interrompues en France, s’entrecroisent avec des récits historiques plus larges. La culture populaire se juxtapose à la culture canonisée, le banal affronte le profond. Le spectateur est invité à participer activement, à peser les preuves présentées par les objets et les mots, et à tirer ses propres conclusions.

Adéagbo résiste délibérément aux motifs stéréotypés souvent attendus des artistes « africains »^[13] . Parfois, il met en scène ces attentes de manière satirique, dévoilant les clichés projetés sur l’art non occidental. Depuis sa perspective d’ethnologue non européen, il étudie les coutumes de chaque lieu d’exposition et les reflète, parfois sous forme d’images exagérées — en parallèle avec la manière dont sa propre culture a souvent été mal comprise et mal représentée^[14] .

Humour et critique jouent également un rôle central. Dans plusieurs installations, il a montré comment des artistes européens célébrés comme des génies ont approprié des formes africaines sans en reconnaître les sources. Dans son exposition à la Galerie Mennour ^[15] , par exemple, il a retracé comment Pablo Picasso, Alberto Giacometti et Constantin Brâncuși ont présenté comme leurs propres innovations ce qu’ils avaient appris des artistes africains^[16] . Travaillant avec son équipe d’artisans au Bénin, Adéagbo a créé un arsenal de boomerangs pour souligner le déséquilibre des emprunts culturels^[17] .

Il se considère comme un archéologue qui collecte et évalue des échantillons divers parlant de la mentalité d’une société. Dans de nombreuses installations, il écrit : « L’archéologie est la science qui parle de la recherche et de la découverte des mystères qui gouvernent un pays, des mystères qui gouvernent une ville ou une personne.»^[18] .

La pratique longtemps ignorée d’Adéagbo n’a attiré l’attention internationale qu’au début des années 1990. En 1993, le chercheur français Jean‐Michel Rousset a documenté l’une de ses installations de cour à Cotonou ^[19] . Bien que les photographies n’aient pas initialement convaincu leur destinataire prévu, la commissaire parisienne Régine Cuzin a reconnu l’originalité du travail et a invité Adéagbo à participer à La route de l’art sur la route de l’esclave à la Saline royale d'Arc-et-Senans en 1994^[20] . Cette première exposition a ouvert les portes de sa reconnaissance mondiale^[21] .

D’autres invitations ont rapidement suivi. En 1995, Adelina von Fürstenberg a inclus son travail dans Dialogues of Peace au siège des Nations Unies à Genève ^[22] . En 1996, Okwui Enwezor, qui avait vu la première présentation d’Adéagbo, a publié l’essai fondateur « The Ruined City, Desolation, Rapture and Georges Adéagbo » dans Nka: Journal of Contemporary African Art ^[23] . En 1995 Adéagbo était invité a BIG CITY artists from Africa. The Serpentine Gallery, London^[24] .

Enwezor l’a ensuite invité à la Biennale de Johannesburg en 1997, où son travail a été largement remarqué pour sa rigueur et sa précision^[25] . En 1998, lors de l’installation de sa contribution à la Biennale de São Paulo de Paulo Herkenhoff, Adéagbo a rencontré le commissaire indépendant Stephan Köhler, alors curator at large pour le Toyota Municipal Museum of Art ^[26] . Köhler l’a invité à concevoir une installation pour le Campo dell’Arsenale à Venise, prévue comme un événement collatéral d’une journée pendant les jours de pré‐ouverture de la Biennale^[27] . Cependant, Harald Szeemann a entendu parler du projet et l’a intégré à sa Biennale d’Appertutto à la dernière minute. Adéagbo a reçu une mention honorable du jury pour The Story of the Lion – Venise d’hier, Venise d’aujourd’hui^{[28] ,[29] ,[30] ,[31] ,[32]} .

Le projet a occupé les historiens de l’art même des décennies plus tard : Kathryn Floyd a analysé en 2015 comment Adéagbo a maîtrisé un lieu difficile, dialoguant avec l’histoire d’un espace public — l’entrée de l’Arsenal de Venise, base du pouvoir qui a dominé la Méditerranée pendant des siècles^[33] . Carolyn Christov-Bakargiev a invité Adéagbo à sa première exposition personnelle aux États‐Unis au MoMA PS1 en 2000^[34] . Son assemblage Abraham, l’ami de Dieu était dédié à Abraham Lincoln et au processus complexe de l’abolition. Il a été acquis par Carlos Basualdo pour le Philadelphia Museum of Art en 2006^[35] .

En 2001, Christov‐Bakargiev, avec Hans Ulrich Obrist et Laurence Bossé, a invité Adéagbo à produire une œuvre pour la loggia de la Villa Médicis à Rome, qu’il a dédiée à Napoléon ^[36] . Un autre tournant a été la participation d’Adéagbo à Documenta 11, sous le commissariat d’Enwezor. Son œuvre majeure The Explorer and the Explorers Facing the History of Exploration – The World‐Theater a été discutée dans plusieurs critiques de la Documenta et finalement acquise par Kasper König pour le Museum Ludwig à Cologne ^{[37] ,[38] ,[39]} .

Lors de sa réinstallation en 2004, Homi K. Bhabha a rédigé son essai analytique « La Question Georges Adéagbo » pour le catalogue de l’exposition^[40] . En 2008, la Galleria Frittelli à Florence a obtenu l’autorisation pour Adéagbo de créer des installations dans 23 salles du Palazzo Vecchio. The Grand Tour of an African était le titre choisi pour la publication éditée par Chiara Bertola et Stephan Köhler^[41] . Le premier film documentaire de long métrage produit par Matteo Frittelli, La personne de Georges Adéagbo, est sorti en 2012 et comprend des interviews avec Enwezor, Basualdo, Daniel Birnbaum, Bertola, ainsi que des scènes de l’artiste au travail au Bénin et dans des lieux internationaux^[42] . En 2014, Kerstin Schankweiler a publié la première thèse de doctorat consacrée à Adéagbo, centrée sur le transfert culturel dans sa pratique : Die Mobilisierung der Dinge^[43] .

La reconnaissance dans son pays natal, le Bénin, est venue bien plus tard. En 2022, la Galerie nationale du Bénin (aujourd’hui ADAC) a acquis une installation et l’a présentée avec 40 autres artistes dans Art du Bénin, de la Restitution à la Révélation au palais présidentiel, avant une tournée mondiale^{[44] ,[45]} . Bénédicte Savoy et Georges Adéagbo ont été invités à discuter du processus complexe de restitution par KINDL Berlin le 26 mai 2021^[46] . Charlotte Laubard l’invite 2021 a son exposition: L'Énigme autodidacte^[47] , Musée d'art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole Atlantic-Artspace a ouvert ses portes en décembre 2022 à Ouidah avec une exposition personnelle d’Adéagbo, initiée et commissariée par Marie‐Sophie Eiche‐Demester^[48] .

La Hamburger Kunsthalle l’a invité en 2024 à une exposition personnelle dédiée à Aby Warburg. Les tournants les plus récents dans la réception d’Adéagbo sont l’acquisition par François Pinault de Souvenir d’un présent invisible et son exposition par Emma Lavigne dans Corps et Âmes à la Bourse de Paris en 2025^{[49] ,[50]} . De plus, Adéagbo a commencé à collaborer avec la Galerie Mennour au printemps 2025^[17] . Depuis lors, les installations d’Adéagbo ont été discutées dans des catalogues d’exposition, des essais critiques et des études académiques. Son travail a été salué pour sa capacité à remettre en question les récits conventionnels de l’art africain, pour son engagement satirique avec les stéréotypes culturels, et pour sa faculté à mettre en scène des dialogues complexes entre histoire, mémoire et culture contemporaine^[40] .

En plus des présentations muséales, l’œuvre d’Adéagbo a été exposée par plusieurs galeries, dont Frittelli Arte Contemporanea à Florence^[51] , Barbara Wien à Berlin^[52] , Lumen Travo Gallery à Amsterdam^[53] , et plus récemment la Galerie Kamel Mennour à Paris^[54] .

Georges Adéagbo est né en 1942 à Cotonou, Bénin (alors Dahomey). Sa famille est originaire d’Abeokuta, Nigeria, d’où elle a migré au milieu du XIX^e siècle^[55] . Le patronyme « Adéagbo » est yoruba et se traduit, selon l’artiste, par « on reconnaît un vrai lion à sa crinière »^[56] .

Adéagbo a commencé ses études de droit à l’Université d'Abidjan en 1964 et les a poursuivies en France avec l’administration des affaires à partir de la fin des années 1960^[57] . En 1971, à la suite du décès de son père, il est retourné au Bénin en tant qu’aîné pour soutenir sa famille. Son séjour, initialement prévu comme temporaire, est devenu permanent lorsque sa famille a retenu son passeport, l’empêchant de terminer son diplôme et son stage en France^[58] . Durant cette période, il a commencé à disposer des objets et des textes manuscrits dans la cour familiale, une pratique qui allait plus tard évoluer vers ses installations.

Lorsqu’on lui a demandé pourquoi il avait commencé à réaliser des installations, Adéagbo a expliqué : « J’ai interrompu mes études en France et je suis simplement rentré chez moi en tant qu’aîné en 1971 après la mort de mon père, pour quelques mois, afin d’aider ma famille à réorganiser sa vie. Mais ils ont pris mon passeport et ne m’ont pas permis de terminer mon diplôme. J’ai commencé à disposer des objets et mes textes manuscrits pour convaincre les membres de la famille et les visiteurs de me laisser retourner en France. J’ai vécu pendant 23 ans avec 2500 CFA (≈ 5 euros) par mois, jusqu’à ce que je sois découvert par hasard par un chercheur français, Jean‐Michel Rousset, le 4 avril 1993. Je crois qu’une œuvre d’art n’a pas besoin d’être belle, mais elle doit te bouleverser, te faire réfléchir. »^{[59] ,[60]}

Pendant plus de deux décennies, Adéagbo a vécu modestement à Cotonou, continuant à développer ses assemblages sans reconnaissance officielle^[61] . En 1993, il a été « découvert » par Jean‐Michel Rousset, qui a documenté son travail et l’a présenté à la commissaire Régine Cuzin à Paris ^[19] . Cette rencontre a conduit à la première exposition internationale d’Adéagbo en 1994 et a marqué le début de sa carrière sur la scène artistique mondiale^[20] .

Les œuvres d’Adéagbo ont été présentées dans de nombreuses expositions personnelles et collectives à travers le monde. Parmi ses expositions personnelles les plus significatives figurent Le Quartier (Quimper, 1997), MoMA PS1 (New York, 2000), Museum Ludwig (Cologne, 2004), Ikon Gallery (Birmingham, 2004), Philadelphia Museum of Art (2006), DAAD Gallery (Berlin, 2007), Palazzo Vecchio (Florence, 2008), MAK (Vienne, 2009), MUSAC (León, 2011), Moderna Museet (Stockholm, 2014), Israel Museum (Jérusalem, 2016), Palace of Nations (Nations Unies, Genève, 2018), Aby Warburg Haus (Hambourg, 2019), KINDL – Centre for Contemporary Art (Berlin, 2021), Hamburger Kunsthalle (2024), et Galerie Mennour (Paris, 2025)^[62] .

Il a également participé à des expositions collectives majeures, notamment La route de l’art sur la route de l’esclave (Saline royale d'Arc-et-Senans, 1994), Dialogues of Peace (Nations Unies, Genève, 1995), la Biennale de Johannesburg (1997), la Biennale de São Paulo (1998), la Biennale de Venise (1999, 2009), The Short Century commissariée par Okwui Enwezor (Munich, 2001), Documenta 11 (Cassel, 2002), Belgique Visionnaire commissariée par Harald Szeemann (Bruxelles, 2005), la Triennale de Paris (2012), Biennial Regard Benin (2012), la Biennale de Shanghai (2016), ainsi que des expositions au Centre Pompidou (Paris, 2020), au Museo Reina Sofía (Madrid, 2023), à la Bourse de Paris (Pinault Collection) et au Centre Pompidou-Metz (2025)^[62] .

Les œuvres d’Adéagbo figurent dans d’importantes collections publiques, dont le Centre Pompidou (Paris), la Collection Pinault, le Smithsonian National Museum of African Art (Washington, D.C.), la Hamburger Kunsthalle, le Museum Ludwig (Cologne), l’Albertinum (Dresde), le Moderna Museet (Stockholm), Kiasma (Helsinki), le Nasjonalmuseet (Oslo), le Philadelphia Museum of Art, la Whitworth Art Gallery (Manchester), le Toyota Municipal Museum of Art (Japon), et la Collection d’art contemporain de la République fédérale d’Allemagne, ainsi que de nombreuses collections privées^{[35] ,[39] ,[63]} .

Bien qu’il soit désormais largement reconnu, Georges Adéagbo répète souvent : si l’on se vante de soi‐même, on finit par se rapetisser en même temps.

« Alfa, le sage qui a donné vie aux 26 lettres, a choisi le petit i, qui est la neuvième lettre, pour lui mettre quelque chose dessus, pour lui donner un chapeau, le seul parmi les 26 lettres. Celui qui peut se faire petit deviendra grand, et celui qui aime se faire grand deviendra petit. Voyez‐vous le I majuscule avec un chapeau... ? »^[64]

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